Hola a todos, estudiantes de ayer, hoy y mañana...
Bienvenido/a en el blog dedicado a la enseñanza del castellano en clases preparatorias del Instituto Saint-Exupéry de Mantes-La-Jolie. Abre los ojos y lo encontrarás todo: programas de literatura y civilización, enlaces para artículos, vídeos o fotogalerías, consejos de lecturas, ideas para ver películas o escuchar música, proyectos culturales a gran escala, diarios y testimonios de estudiantes, sin olvidar unas correcciones...
Desde 2010 hasta 1904, unos títulos que descubrir...
Mario Vargas Llosa. Escritor peruano, nacionalizado español, de 85 años. En 2010 recibió el Premio Nobel de Literatura. Otros galardones que el escritor ha obtenido: Premio Cervantes (1994) y El Príncipe de Asturias de las Letras (1986). Es Doctor Honoris Causa por importantes universidades y miembro de la Academia Peruana y la Real Academia Española.
La Ciudad y los Perros, La Tía Julia y el Escribidor, Pantaleón y las Visitadoras...
Octavio Paz. Escritor mexicano, fallecido el 18 de abril de 1998 a la edad de 84 años. Ganó el Premio Nobel en 1990.
Otros premios que ganó: El Miguel de Cervantes, El Nacional de Literatura, El Menéndez Pelayo y El Príncipe de Asturias.
El Laberinto de la Soledad
Camilo José Cela. Escritor español, nacido en 1916, falleció el 17 de enero del 2002 a los 85 años. Obtuvo el Premio Nobel en 1989.
Otros premios que recibió: el Premio Cervantes (1995) y el Premio Príncipe de Asturias de las Letras (1987). Por sus méritos literarios, en 1996, se le otorgó el Marquesado de Iria Flavia. Cabe destacar que fue Académico de la Real Academia Española.
La Familia de Pascual Duarte, La Colmena...
Gabriel García Márquez. Escritor colombiano. Nació el 6 de marzo de 1927 y murió en abril de 2014. Ganó el Premio Nobel en 1982.
Entre sus libros más destacados se encuentran: Cien años de soledad, El amor en tiempos de cólera, El coronel no tiene quien le escriba y Crónica de una muerte anunciada, por mencionar algunos.
Vicente Aleixandre. Poeta español, nació el 26 de abril de 1898 y falleció en 1984. Ganó el Premio Nobel en 1977 por su obra Los poemas de la consumación.
Otros reconocimientos que recibió. Premio Nacional de Literatura (1933), Premio Francisco Franco (1949) y Premio de la Crítica (1963).
Los poemas de la consumación
Pablo Neruda. Poeta chileno. Nació el 12 de julio de 1904 y falleció el 23 de septiembre de 1973. Ganó el Premio Nobel en 1971.
El novelista Gabriel García Márquez lo ha llamado "el más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma". Entre sus múltiples reconocimientos destaca un Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Oxford.
Canto General, Odas Elementales...
Miguel Ángel Asturias. Escritor guatemalteco. Nació en 1899 y falleció el 9 de junio de 1974 a la edad de 74 años. Recibió el Premio Nobel en 1967.
El Señor Presidente, Hombres de maíz
Juan Ramón Jiménez. Escritor y poeta español. Nació el 23 de diciembre de 1881 y falleció en 1958. En 1956, ganó el Premio Nobel.
Platero y yo
Gabriela Mistral. Poetisa chilena. Nació el 7 de abril de 1989 y falleció en enero de 1957 a la edad de 67 años. Ganó el Premio Nobel, en 1945. Cabe mencionar que es la única escritora latinoamericana que ha sido condecorada con este galardón. En 1947 recibió el Doctorado Honoris Causa del Mills College of Oakland, California.
Desolación
Jacinto Benavente. Escritor, dramaturgo, guionista y director español. Nació el 12 agosto de 1866 y falleció el 14 de julio de 1954. En 1922, obtuvo el Premio Nobel.
Los intereses creados, La Malquerida
José Echegaray. Escritor español. Nació el 19 de abril de 1832 y falleció el 14 de septiembre de 1916. Fue el primer literato de habla hispana en recibir el Premio Nobel en 1904 por su obra El gran galeoto. Realizó varias aportaciones a las matemáticas y a la física.
Damián Szifrón est argentin,
il est né en 1975 et a lu et vu ses classiques :
-La nouvelle fantastique du Río de la Plata qui
lui a enseigné l’importance de saisir son spectateur à la gorge dès le début et
surtout l’art de la chute, « savoir se taire à temps ». Effets
condensés, écriture synthétique, refus des fioritures, humour
comme arme tranchante, distance parodique…Rappelons que le mot "relato" désigne justement le récit bref en Argentine.
-Le cinéma italien de Risi (Les
Monstres 1963), Risi avec Scola et Monicelli (Les Nouveaux Monstres 1977) : le cru et le cul, la satire
sociale, le naturalisme grotesque et pathétique… Le même Risi
affirmait : «Je
déteste le moralisme et je préférerais toujours être cruel plutôt que de dire
la "bonne" parole ou montrer la "bonne" attitude.»
Szifrón est un héritier de cette attitude et n’a pas honte de ses références
grand public : les séries B, les films des années 70 tellement
kitchs. Mais, à cet esprit très Paul Verhoeven, il ajoute une touche plus
contemporaine inspirée des craquages en direct dans les émissions de
télé-réalité. Avec humilité, Szifrón réinvente un
panorama de références impures comme l’avaient déjà adopté les frères
Almodóvar.
-Tarantino pour le pétage de
plombs, Buñuel pour le coup de rasoir, Spielberg pour le duel…
En 2014, ce film à sketchs (une
production hispano-argentine avec Pedro Almodóvar et son frère de producteur dans
les coulisses) sort et fait un tabac : il est sélectionné à Cannes et nominé
pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. On aime tout de suite cette
esthétique cartoon (personnages caricaturaux), pub (rythme vertigineux et
percutant), on aime l’humour décapant et la provocation. On est bien loin du
puritanisme du Nord qui n’hésite pas à faire exploser des bombes, à décharger
des pistolets et à faire brûler voitures et autres véhicules mais qui répugne à
montrer certains détails de la réalité quotidienne au nom de la
« bienséance ».
On a reproché à Szifrón le manque de
construction et la création d’un ensemble somme toute hétéroclite. Pas
sûr. L’introduction et l’épilogue sont clairement identifiables : la
certitude pour le spectateur qu’il va passer un bon moment et puis le happy end
malgré tout. Mais c’est surtout le générique qui semble nous fournir une première
piste assez simple. Les nouveaux sauvages, entendez « animaux
sauvages » sont bien les hommes et les femmes de cette société malade,
stressée à mort et d’un matérialisme confondant. Les brutes, les bêtes, les
monstres ce sont eux et non les grands félins d’ailleurs en voie d’extinction.
Ce sont eux et nous car cette société argentine est bien le miroir de la nôtre (d'où l'utilisation de la vitre, de la surface transparente à travers laquelle nous regardons les personnages),
dans cet Extrême-Occident qu’est l’Amérique Latine et notamment dans ces
nations bien blanches et bien européennes comme l’Argentine si italienne, elle qui
a un Pape italien, une société gangrénée par des rapports mafieux et puis toutes
ces attitudes qui fleurent bon le macho rital.
C’est un miroir – et l’image n’est jamais belle comme
de bien entendu - que nous tend Szifrón et dans lequel nous pouvons vérifier à
quel point nous sommes minables :
-Minables quand nous élevons nos enfants en leur
faisant regretter d’être nés.
-Minables quand nous traitons les serveurs et serveuses
de restaurant comme s’ils étaient de la merde alors que notre propre existence
est vide et terne.
-Minables quand nous nous conduisons notre voiture
comme si nous avions un compte à régler avec les autres ou comme si toute notre
vie en dépendait, Les mecs en particulier, comme si le levier de vitesses était
un autre sexe.
-Minables quand nous sommes incapables de comprendre
les difficultés et les lassitudes de nos voisins.
-Minables quand toute une vie à l’abri du besoin est
basée sur l’escroquerie et le mensonge.
-Minables quand l’amour cède devant la trahison.
La beauté du générique semble dire que nous sommes à
ce point minables que nous sommes nous-mêmes une espèce menacée, par notre
propre bêtise, égoïsme, méchanceté, vulgarité…: c’est bien l’homme qui devrait
être « en voie d’extinction » et céder la place aux grands félins.
Le « pétage de plombs »
est le second fil conducteur, il est le motif commun à chacun des six sketches
de cette satire jouissive car terriblement familière et qui renvoie au thème
littéraire et culturel qui a hanté l’Amérique Latine depuis les écrits de la
Découverte et de la Conquête : le conflit entre civilisation et barbarie.
Vulnérables face à une réalité trouble et imprévisible
dans la plus pure tradition du fantastique argentin (on pense notamment aux
nouvelles de Silvina Ocampo), les personnages des Nouveaux Sauvages,
traversent la frontière qui sépare la civilisation de la barbarie. Une trahison
affective ou amoureuse, le retour du passé, une tragédie ou même la violence
d’un détail du quotidien sont les détonateurs qui poussent ces personnages à
sortir d’eux-mêmes, à se métamorphoser en terroristes, en criminels, en
vengeurs masqués, en sorcières, en hyènes… Un individu craque et c’est tout
l’édifice social qui vacille : c’est le complexe de Lucifer qui cause la
mort de tous ceux qui sont jugés responsables, c’est la vengeance aveugle qui
fait des victimes collatérales, c’est le cynisme et l’impunité qui fait
prospérer les trafics en tous genres, c’est une administration kafkaïenne qui
rend le monde insupportable, c’est le mensonge qui transforme tout conte de fée
en film d’horreur. On comprend alors à quel point la morale, la religion,
l’éducation, le désir pathétique de vivre et de vivre le plus confortablement possible
sont parfois impuissants à contrôler les pulsions.
La pulsion violente et
destructive est ainsi un fil assez solide entre chacun des six contes cruels.
Dans le dossier de presse du film, le réalisateur écrit d’ailleurs : «Ces histoires émergent de la zone la plus
libre de mon imagination. […] Il est toujours question de catharsis, de
vengeance et de destruction. Je pense souvent à notre société occidentale et
capitaliste comme une sorte de cage transparente qui amenuise notre sensibilité
et dénature nos rapports. [Le film] opère sur un ensemble d’individus qui
vivent dans cette cage tout en ignorant son existence.»
Szifrón
parvient parfaitement à décrire une société occidentalo-sud-américaine en
apparence lisse, psychorigide et parfaite, mais en réalité rongée par le doute,
la menace, la corruption, les récupérations médiatiques, la culpabilité (la
famille, le monde de la Justice et l’Etat en prennent pour leur grade), qui se
libère de l’angoisse par à-coups, par l’expression subite et incontrôlée de ses
plus bas instincts : c’est tout un corps malade qui cherche, dans la
fièvre, à se reconstruire et à se refaire une santé. Sans facilité, sans
populisme et avec une vraie bienveillance envers les personnages les plus
fragiles : Ricardo Darín bien sûr, « Bombita » et Erica Rivas,
la novia qui faillit être couronnée à Cannes.
dentro de poco nos veremos (de nuevo) en clase, tras un año muy especial, el de la pandemia que nos obligó a adaptarnos, a dejar de lado muchas actividades culturales.
Os espero con mucha impaciencia en el blog que retomo con nuevo ímpetu ya que ha sido renovado y modernizado.
El discurso que pronunció Gabriel García Márquez en 1982 es un texto encantador, personalísimo
como toda la obra del colombiano, fascinante por diferentes
razones:
·Primero porque surge el tema de la « soledad ».
Pensemos en su novela Cien Años de Soledad,
una de las obras maestras del Boom latinoamericano, representativa del
« realismo mágico », publicada en 1967, traducida a 35 lenguas y
vendida a 30 millones de ejemplares. Notemos la autocita al final del discurso.
Pero pensemos también en la obra del mexicano Octavio Paz, El Laberinto de la Soledad, ensayo publicado en 1950 en el que el poeta
y filósofo mexicano remite al machismo, la sumisión y la apatía de los mexicanos que
suelen ir siempre contra la corriente, desnudos y desprotegidos porque privados
de la imagen materna. Ambos artistas consideran que América Latina es un
continente enmarcado en la soledad individual, interna y colectiva, la soledad
de « los de abajo » para usar una expresión que es también el título
de una novela mexicana famosa de 1915, escrita por Mariano Azuela.
América
Latina es también un continente solitario porque incomprensible para los
europeos que lo miran con demasiados prejuicios, demasiado racionales para
entender lo descomunal propio de América Latina. Un continente cercano ya que
se redujeron las distancias pero lejano ya que persisten las incomprensiones
ante una realidad tan diferente.
Gabriel García Márquez insiste también en la
noción de etapas históricas, recordando que las naciones latinoamericanas son
naciones jóvenes y que el Viejo Continente también necesitó años y siglos para
conquistar independencia, sentido democrático y respeto por la vida humana. Se
alza a favor de una nueva independencia del subcontinente, después del proceso
que tuvo lugar en el siglo XIX : una independencia mental y espiritual, o
sea no ser un « alfil sin albedrío » condenado a reproducir los
modelos europeos. Los objetivos pueden ser los mismos (democracia política,
justicia social, acceso a la cultura) pero sin olvidar que los métodos serán
diferentes porque son diferentes las condiciones.
·Surge un segundo tema, el de la
« demencia », tan presente en las novelas y los cuentos
latinoamericanos. Su expresión máxima es la violencia desmedida de los gobernantes
– caudillos, caciques, militares, presidentes – así como las injusticias
cotidianas contra el pueblo con desapariciones, matanzas, torturas, adopciones
forzadas, exilios impuestos… En realidad tal demencia proviene también de la
« realidad descomunal, desaforada » de América que « sustenta un
manantial de creación insaciable, pleno de desdicha y belleza » (de ahí el
gusto de la literatura hispanoamericana por lo maravilloso y lo mágico), por
ser la tierra de los mitos : Eldorado, la fuente de la eterna juventud,
las 11 000 mulas cargadas de oro para el rescate de Atahualpa, las
Amazonas...
Ya los conquistadores que escribían crónicas en las que contaban lo
que descubrían, mezclaban el rigor de la observación con la fantasía de la
imaginación. Es que en un primer tiempo no existían los términos « en
castellano » para describir esas novedades : de ahí las descripciones
fabulosas e increíbles. La tragedia del subcontinente proviene de ese
antagonismo entre la belleza de los paisajes, de los hombres, de las culturas
que generan confianza en el porvenir y las montruosidades que pueden causar la
naturaleza o los hombres.
En este discurso, Gabriel García
Márquez oscila entre desengaño (ante la propensión del subcontinente a la
barbarie, al despotismo excéntrico, a los conflictos armados, ante el divorcio
entre Estado y Nación, la incapacidad a instaurar regímenes realmente
democráticos, ante la manipulación del pueblo, la debilidad de la democracia,
la omnipresencia de la violencia, el índice preocupante de la mortalidad
infantil…) y esperanza ya que confía en la juventud y la originalidad artística
de los latinoamericanos.
“Ahora soy un Axolotl”, de esta manera
inesperada comienza el cuento de Julio Cortázar, desvelando ya el final del
cuento.
Final del juego es el título del libro de cuentos del
autor argentino Julio Cortázar, publicado en 1956 por la editorial mexicana Los
Presentes que fue traducida a diferentes idiomas como el francés, inglés y
hebreo y que ha sido estudiado por numerosos críticos, literatos y escritores
en todos los idiomas. Lo que diferencia Axolotl
de otros cuentos es la profundidad que revela sobre el alma y la conciencia
humana. En efecto, el cuento comienza con el relato de un narrador en primera
persona que cuenta como su obsesión por los ajolotes se convierte en una cierta
condena del cuerpo del hombre transformándolo en el ajolote. El objeto de su
obsesión se convierte en realidad cuando se transforma en este revelando una
profunda verdad antológica sobre la identidad del hombre. Lo paradójico es que
esta verdad ontológica del hombre se revela a través de la relación que se
entabla entre lo animal y lo humano, es decir que lo que normalmente se suele
oponer, el animal al hombre, en este cuento, de manera original, no solo se une
sino que a través de esa misma unión, se desvela la verdadera identidad
profunda, como el agua del acuario que visita el narrador, del hombre. Por eso podemos preguntarnos, cómo este cuento refleja
a través de “lo fantástico” la realidad ontológica que concierne al hombre como
ser, demostrando a su vez el valor del cuento como género.
Para profundizar en esta cuestión, veremos
por una parte cómo esta realidad se refleja a través de la escritura que da una
gran importancia a la mirada y a los ojos causando la pausa del tiempo, después
analizaremos cómo, a través del prisma de la literatura, “lo fantástico”
permite apreciar las variadas cualidades del cuento como género que abastece
grandes problemas de la literatura y finalmente, desde un punto de vista más
filosófico, veremos cómo esta realidad ontológica se encuentra a través de la
idea y la trama del cuento en sí, proporcionando una verdad profunda e
ignorada, sobre el hombre.
En efecto, se podría decir que la idea
que prevalece en el cuento de Cortázar es que los ojos son la puerta de entrada
al alma. El relato hace muchas veces foco en los ojos de este curioso animal y en el
modo en que se mira con el protagonista. El guardián del acuario llega a
decirle “Usted se los come con los ojos” y él reflexiona que era al revés, que
ellos se lo comían. Así el tema de la mirada se explota de maneras diferentes :
por una parte podríamos diferenciar la mirada de los otros visitantes del
acuario y del guardián del acuario, que son superficiales, que se limitan a
solamente mirar no los peces sino al narrador y su comportamiento, analizando
como un “desequilibrado”, luego podemos discernir la mirada del narrador que
podríamos calificar como una mirada que se profundiza progresivamente, ya que
el narrador pasa poco a poco, de venir solo por las mañanas, a venir por las
mañanas y las tardes, por ejemplo en el principio “me quedé una hora mirándoles
y salí” comparado con “pegando mi cara al vidrio (a veces el guardián tosía,
inquieto) buscaba ver” = no solo refleja la obsesión del narrador por estos
seres misteriosos sino que revela su voluntad de querer ver mejor, más allá de
la superficie. Y finalmente, la mirada de los ajolotes que es mucho más
profunda, lo que podría ser paradójico considerando el hecho de que sean peces,
y que generalmente se asocia la mirada de los peces con el vacío, algo inexplorable, sin embargo
en este cuento, es la mirada de los ajolote la que revela esta realidad
antológica del hombre. Así, se retoma el lugar común que considera los ojos
como la puerta de entrada al alma y se describe el interior de los axolotls
como un “diáfano misterio interior”. Hay algo imposible de definir en su manera
de mirar. Encima, el narrador precisa que “los ojos de los axolotl no tienen
párpados” lo que se podría interpretar como una puerta eternamenteabierta al infinito que ocupa la interioridad
de este ser y por consiguiente del hombre que se ve en él.
Esta mirada de los
ajolotes también puede interpretarse como la mirada del artista en el mundo, de
ahí que el narrador se convierta en un axolotl y al final del cuento vaya “a
escribir sobre nosotros, creyendo imaginar un cuento”. En efecto, se sabe que
los artistas y particularmente, en este caso, los escritores mantienen una
relación particular con el mundo que los rodea, viendo cosas que el resto de
gente no es capaz de apreciar, pero esas cosas a los ojos del escritor revelan
una verdad profunda. En el caso de este cuento podríamos interpretar la mirada
y el estudio de los ajolotes como la revelación de una verdad profunda relativa
al hombre. Esta idea se puede profundizar con el hecho de que el narrador sea
un hombre que se pasea por París, ciudad moderna del siglo xx, y describe
minuciosamente, casi de manera naturalista, la ciudad y los ajolotes. Ej: “Bajé
por el bulevar de Port-Royal, tomé St. Marcel y L ́Hôpital” + los axolotl son
formas larvales, provistas de branquias, de una especie de batracios del género
amblístoma.”.
Podríamos entonces
relacionar esta manera de mirar particular con la mirada del artista que según
Emile Zola “hipertrofia” la realidad para dar al lector los elementos
esenciales para comprender lo que le rodea. Sin embargo no podemos negar la dimensión
fantástica del texto, que es lo que le otorga su originalidad.
En efecto, es “lo fantástico” lo que
permite apreciar e interpretar el cuento y lo que realza la originalidad y las
cualidades del cuento como género literario. El axolotl es una salamandra que no
alcanza su estado adulto, siempre conserva su forma larvaria. La palabra
axolotl, y sobre todo la letra “x”, nos remite a México y a algunos apartes del
texto, como “Que eran mexicanos lo sabía ya por ellos mismos.” Pero, nos evoca
sobre todo la cultura azteca. Sabemos que Cortázar tenía una fascinación por los
mundos antiguos que irrumpen en la realidad como metamorfosis de los personajes
que podemos ver en este cuento. El mundo azteca, como los axolotls son entes
olvidados que contrastan con la época en la que vive el protagonista. Vemos por
ejemplo la mención de la roca, “la inexpresividad forzada de sus rostros de
piedra”, y en la piedra rosa de la cabeza triangular se puede ver las ruinas y
los viejos Ídolos de roca. La frecuente alusión hecha al oro: “ojos de oro,
ojitos de oro, canibalismo de oro, resplandor dorado” nos transporta a ese
mundo fantástico y mítico americano. Y esto, nos puede hacer pensar en una idea
particular de la generación del boom a la que perteneció Julio Cortázar pero
también Alejo Carpentier, quien aclaró que “lo real maravilloso” (habría que
aclarar la diferencia entre “lo fantástico” y “lo real maravilloso”) era
patrimonio americano pero algo que puede ser visto en todas partes, no es
sorpresa ver que lo real maravilloso se toma las calles parisinas, de cierta
manera vemos cómo a través de la literatura, América conquista a Europa,
demostrando la particularidad y la originalidad de la literatura americana y
afirmando así la propia identidad americana, independiente de la europea: Cortázar,
tras Rubén Darío, es “el retorno de los galeones”. Sabiendo que la cuestión de
la identidad es algo importante en el texto.
Así, el cuento no
solamente engloba toda una historia en sí de manera condensada en apenas unas
diez páginas sino que el tiempo es tratado en diferentes niveles. Como hemos
visto, vemos el tiempo de la Historia, esa Historia que entrelaza los dos
continentes, también podemos ver el tiempo de la Historia literaria en el
concepto del cuento, la metamorfosis, que puede aludir a la literatura antigua,
como por ejemplo la obra del escritor Ovidio, Las Metamorfosis, en las que el hombre se ve transformado en animal
con el fin de descubrir otros tipos de vida realzando la insignificancia de
estas vidas. Sin embargo, lo que otorga esa dimensión original a este cuento es
que aquí la metamorfosis realza la insignificancia de la vida humana, pero
también la del animal ya que el ajolote sueña con vivir en ese cuerpo superior
que es el del hombre. Pero también podemos ver el tema del tiempo tratado en sí
en el cuento, ya que vemos cómo, particularmente a través de la mirada, el
tiempo se va desvaneciendo progresivamente, simbolizando la progresiva
profundización de la búsqueda de identidad, de esa realidad ontológica. Pasamos
de tener la directa referencia al tiempo: “Hubo un tiempo” y “ahora soy”, lo
que demuestra que el tiempo transcurre, con unas referencias como “una hora”,
“todas las mañanas y de tarde”, a la pausa del tiempo a través de la
observación minuciosa de los peces, “abolir el espacio y el tiempo”. Y es esa
pausa en el tiempo a través de la observación la que permite la introspección,
la que nos permite desvelar esa búsqueda de la realidad ontológica que es la
identidad.
Esto nos permite ver la
riqueza que el cuento como género puede proporcionar, se nos presenta como un
juego entre las miradas, el tiempo y el espacio, y así podemos relacionar el título
del libro “Final del juego” con el cuento, ya que es este juego aplicado por el
cuento que nos permite descubrir el final, final del cuento y final, que se
tienen que entender, como el posible final de la búsqueda ontológica.
En efecto, lo que parece aún más
interesante es que este cuento, a pesar de su brevedad y a través de “lo fantástico”,
nos permite alcanzar una verdad ontológica sobre el hombre, la eterna búsqueda
de la identidad, que aquí, paradójicamente se encuentra gracias a la
metamorfosis del hombre en una larva, realzando posiblemente la absurdidad de
la vida del hombre. Dos mundos relacionados
pero incapaces de ponerse en contacto = realidad geográfica + el hombre y el
sentido de la vida (filosófico + metamorfosis, la necesidad de extirparse de la
realidad para entender mejor al hombre + paradoja entre larva y hombre,
Pascal). Como ya hemos visto, la historia se desarrolla en París, por lo cual
hablamos de un hombre moderno que es el protagonista, un hombre solo, tenue,
metido en sí mismo, tal vez incomprendido y que busca en su soledad, quizás la
salida de su laberinto interior atormentado por la ciudad, por el materialismo,
etc.: Cortázar como autor marcado por el existencialismo es una evidencia ya
que incluso redactó un ensayo sobre el tema. Y por eso se ve identificado con los
axolotls que son seres solos, inmóviles, impenetrables, con una mirada
insondable. Ve en ese axolotl –espejo- su identidad, se ve reflejado en uno de
ellos, separados sutilmente por el vidrio. El cristal es la barrera que impide
que el hombre encuentre su verdadero yo. El cristal del acuario puede
simbolizar la manifestación del temor del hombre al descubrimiento de su
vocación íntima, al discernimiento de sus pensamientos, a la búsqueda sin
negación de libertad> Pascal y “divertissement”
= porque queremos evitar pensar en la muerte.
Así, la verdad ontológica revelada es la del alma en sí: El protagonista se
da cuenta de que el axolotl tiene alma, y que esa alma es semejante a la suya y
ambas reclaman comunicación, arrastra al hombre y al animal a la mutua unión,
los dos quedarán finalmente atrapados.Al enfrentarse, ambos toman consciencia de que poseen algo en común y
que ese algo los identifica, más allá de las barreras física y mental. «Porque
desde un primer momento comprendí que estábamos vinculados, que algo infinitamente
perdido y distante seguía sin embargo uniéndonos». Y al final lo que puede desvelar
la absurdidad de la vida del hombre es que se asemeja a una simple larva, el
que se creía estar en el centro del mundo, como en París, con su “cola de pavorreal”
vanidosa y vana, capital cultural de la época, en realidad se da cuenta de la
insignificancia de su existencia, y sobre todo de su ignorancia relativa al
hombre, lo que justifica entonces esta búsqueda de identidad.
La bestialización del hombre y la humanización de la
bestia muestran claramente la posibilidad de que ambas realidades sean
intercomunicables. El epílogo de la experiencia es una mezcla de soledad y
espanto: ambos seres quedan atrapados definitivamente. El valor del cuento es
la afirmación de su capacidad a abastecer diferentes cuestiones sobre la
Historia humana, la Historia literaria y sobre el Hombre en sí.
Ricardo Darín est Bombita 